Артём Гришин про фотографию

В истории фотографии есть авторы, которые не просто снимали архитектуру, а изменили способ её восприятия. Люсьен Эрве — один из таких. Его работы — это не документ зданий, а визуальные исследования пространства, света и ритма. Люсьен Эрве (настоящее имя — Ласло Элькан) родился в 1910 году в Венгрии. Его путь к фотографии был непрямым. Он изучал музыку и живопись, работал в текстильной промышленности, занимался графикой. Этот опыт позже сильно повлиял на его фотографическое мышление: он воспринимал изображение как композицию линий и ритмов, а не просто как фиксацию реальности. Во время Второй мировой войны Эрве оказался во Франции. Именно там он начал серьёзно заниматься фотографией. Переломным моментом стала серия снимков архитектуры Марселя в 1949 году. Эти работы попали к архитектору Ле Корбюзье, который был настолько впечатлён, что предложил Эрве стать своим «официальным глазом». Так началось сотрудничество, продлившееся многие годы и сформировавшее репутацию фотографа. Работая с Л

В современной фотографии есть авторы, чьи работы невозможно спутать ни с кем. Они не стремятся удивить зрителя громкими сюжетами или сложной постановкой. Их сила — в чистоте формы, внутренней тишине и почти скульптурном ощущении света. К таким фотографам относится голландец Бастиан Вудт (Bastiaan Woudt). Бастиан Вудт родился в Нидерландах в 1987 году. Интересно, что его путь в фотографию начался не с профессионального образования или ассистентства, а с вдохновения личным опытом. Поворотным моментом стала встреча с коллекционером и галеристом, который познакомил Вудта с миром классической фотографии. Работы мастеров ХХ века — от Ирвинга Пенна до Ричарда Аведона — оказали на него сильное влияние. Фотография стала для Вудта способом визуального мышления. Уже первые проекты привлекли внимание галерей и кураторов. Вскоре он начал выставляться, сотрудничать с журналами и брендами, а также выпускать фотокниги. Сегодня его работы представлены в музеях и частных коллекциях по всему миру. Вудт

Сегодня мы привыкли видеть поразительные кадры животных — снятых с дронов, скрытых камер или сложных телеобъективов. Но всего чуть больше века назад сама идея сфотографировать дикую природу ночью казалась почти невозможной. Одним из первых, кто решился на такой эксперимент, стал Джордж Ширас — человек, который буквально изменил взгляд на фотографию животных и на возможности самой фотографии. В начале XX века съёмка дикой природы чаще всего была связана с наблюдением днём и на безопасной дистанции. Ночь оставалась территорией неизвестного. Ширас подошёл к этой задаче как исследователь. Он придумал простую, но революционную систему: соединить затвор камеры и вспышку при помощи каната. Когда животное задевало натянутую верёвку, происходил мгновенный спуск — вспышка освещала сцену, а камера фиксировала момент. Так появились первые фотографии ночной жизни леса. Один из самых известных снимков — олени, застигнутые вспышкой на ночной дороге. Их глаза, отражающие свет, напряжённые силуэты и о

Разговор о крупнолицевом портрете почти всегда связан с определённым набором правил. В классической портретной школе фотограф старается мягко выстроить свет, сохранить естественные пропорции лица и создать комфортную дистанцию между камерой и человеком. Эти приёмы давно стали частью профессиональной культуры портретной съёмки. Но иногда в фотографии появляются авторы, которые сознательно идут в противоположную сторону. Вместо того чтобы следовать этим правилам, они ставят под сомнение саму их необходимость. Именно так работает немецко-американский фотограф Мартин Шоллер, автор знаменитой серии портретов «Close Up». Этот проект уже много лет пополняется новыми изображениями. В нём можно увидеть самых разных людей: актёров, политиков, музыкантов, спортсменов, а иногда и совсем неизвестных персонажей. Однако статус героев здесь почти не имеет значения. В серии нет привычной иерархии знаменитостей и обычных людей. Все оказываются в одинаковых условиях. Главное в этих портретах — метод. Н

Подводная фотография — один из самых сложных жанров. Здесь фотограф работает не только со светом, композицией и моментом, но и с глубиной, течением, давлением воды и ограниченным запасом воздуха. Именно поэтому лучшие подводные фотографии всегда вызывают особое чувство: кажется почти невероятным, что такие кадры вообще удалось сделать. Каждый год часть самых впечатляющих снимков со всего мира собирает конкурс Underwater Photography Guide, который посвящён исключительно подводной фотографии и объединяет тех, кто работает в этом непростом жанре. Этот конкурс появился благодаря сообществу фотографов и дайверов, объединённых вокруг образовательной платформы The Underwater Photography Guide. Площадка изначально создавалась как ресурс для тех, кто хочет научиться снимать под водой: здесь публикуют технические статьи, советы по оборудованию и истории съёмок. Со временем вокруг проекта сформировалась международная аудитория фотографов, и конкурс стал естественным продолжением этой среды. Глав

В истории фотографии есть портреты, которые перестают быть просто изображениями людей. Они превращаются в символы времени. Мы можем не знать деталей биографии героя, но узнаём лицо мгновенно. Иногда достаточно одного взгляда, одного жеста, одного момента, чтобы фотография стала частью культурной памяти. Такие портреты появляются не только благодаря известности человека перед камерой. Их сила — в сочетании личности, обстоятельств и точного момента, который смог увидеть фотограф. Ниже — фотографии, которые чаще всего называют самыми знаменитыми мужскими портретами в истории фотографии. Один из самых известных портретов XX века был сделан в Оттаве после выступления Уинстона Черчилля в канадском парламенте. Черчилль вошёл в комнату с сигарой во рту и явно не был настроен позировать. Юсуф Карш подошёл к нему, извинился и неожиданно вытащил сигару из его рта. В этот момент премьер-министр резко посмотрел на фотографа. Карш нажал на кнопку. Так появился портрет, в котором Черчилль выглядит су

Когда мы говорим о современной уличной фотографии, чаще всего вспоминаем спонтанность, скорость реакции и «решающий момент». Однако в работах Ян Гессллер (Jan Gessler) случайность никогда не выглядит хаотичной. Его фотографии производят впечатление тщательно выстроенных сцен, хотя они рождаются в реальном городском потоке. И в этом заключается их особенность: он не останавливает жизнь, а находит в ней уже существующий порядок. Ян Гесслер — немецкий фотограф, известный своей чёрно-белой уличной фотографией, в которой главную роль играет не сюжет как таковой, а взаимодействие света, пространства и человека. Его кадры построены так, будто город сам диктует геометрию, а человек лишь временно входит в эту структуру, становясь точкой напряжения внутри неё. Он не вырывает героев из среды, напротив, позволяет архитектуре, теням и линиям формировать визуальный ритм изображения. Выбор чёрно-белой палитры здесь не стилистическая дань традиции и не попытка добавить «классичности». Это способ дисц

Когда мы говорим об Энди Уорхоле, в первую очередь вспоминаем шелкографии Мэрилин Монро, банки Campbell’s и бесконечные вариации повторяющихся лиц. Но прежде чем образ становился тиражируемым произведением поп-арта, он проходил через камеру. Уорхол был не просто художником, использующим фотографию. Он был фотографом — методичным, наблюдательным и концептуальным. В 1970–80-е годы Уорхол практически не расставался с камерой. Он снимал знаменитостей, друзей, посетителей студии, светские мероприятия, случайные сцены из повседневной жизни. Особенно важную роль играли камеры Polaroid и 35 мм. Полароид давал мгновенный результат — изображение сразу становилось объектом. Для Уорхола это было принципиально: он любил скорость, повтор, непосредственность. Фотография для него была не финалом, а этапом. Уорхол часто делал десятки почти одинаковых кадров. Он не искал «единственный идеальный момент». Он создавал серию. Повтор в фотографии затем переходил в повтор в шелкографии. Если анализировать ег

В мире, где фотография часто стремится к эффектности, Лиза Холлоуэй выбрала противоположное направление — минимализм, тишину и естественность. Она получила широкую известность благодаря портретам детей, семейным и подростковым съёмкам. Сегодня хочу поделиться ее работами. Путь Лизы в фотографию не был академическим. Она начала снимать, исследуя естественный свет в домашних условиях и на природе. Постепенно её работы стали узнаваемыми, а международные конкурсы и профессиональные ассоциации отметили её мастерство. Сегодня Холлоуэй — один из самых узнаваемых авторов в жанре детского и семейного портрета. Она активно делится опытом, проводит мастер-классы и обучает работе с естественным светом. Основные герои ее работ — дети и подростки, семьи в тихой атмосфере с акцентом на эмоциональной связи между героями. Её герои часто сняты в пол-оборота, в мягком боковом свете, в нейтральном пространстве. В кадре нет лишних деталей — только человек и свет. Холлоуэй мастерски работает с оконным свет

Есть фотографы-анималисты, которые показывают нам красоту дикой природы. А есть Ник Брандт — тот, кто показывает её хрупкость. Его фотографии — это не просто изображения животных. Это портреты мира, который стремительно исчезает. Сегодня хочу поделиться с вами этими пронзительными работами в новой подборке. Ник Брандт родился в 1964 году в Лондоне. По образованию он режиссёр — изучал кино в Университете Сент-Мартинс в Лондоне и долгое время работал в музыкальной индустрии. Именно во время съёмок музыкального клипа в Африке он впервые оказался в непосредственной близости к дикой природе — и этот опыт стал поворотным. С начала 2000-х годов Брандт полностью сосредоточился на фотографии. Он переехал в Восточную Африку и начал долгосрочную работу над сериями, посвящёнными исчезающим экосистемам. Важно отметить, Брандт — не «туристический» фотограф. Он работает исключительно в Африке и возвращается к одним и тем же местам годами, наблюдая изменения. Главная тема его творчества — уничтожение